“高峰之路——新时代语境下的中国画传承与创新”大型系列活动由《艺术市场》杂志社主办，艺术市场惠风书画院、《艺术市场》美术馆承办。为了能够对“新时代语境下的中国画传承与创新”这一命题进行系统梳理，并对相关艺术家的成果进行理论探究，我们将进行纵向与横向的比较与呈现，选择当代具有代表性的画家就其作品和此命题进行深度访谈，其中山水、人物、花鸟各10位，希望借此契机让每位艺术家主动树立“高峰意识”，探索通往“高峰之路”的思想、方法，主动承担起复兴文化中国梦的历史责任，将“新时代语境下的中国画传承与创新”提高到新的认识高度。中国画要发展，要再现中国画创作的新高峰，必须做到传承与创新，这应该是广大艺术家的共识，但如何传承、创新，如何面对当今艺术领域“有‘高原’缺‘高峰’”的难题，本刊推出“高峰之路”专题，特邀人物画家十位：王涛、冯远、刘健、崔虹、孔维克、马海方、丁密金、王辅民、李昀蹊、张培生，以期引起广泛的讨论和深入的思考。

　　艺术家名片马海方

　　1981年毕业于中央美院中国画系。师从卢沉、姚有多、刘勃舒等。现为中国美术家协会会员、中国人民大学艺术学院客座教授、中国艺术研究院创作院特约研究员、荣宝斋画院教授、荣宝斋签约画家、北京文史馆馆员。

　　马海方几十年如一日，一直致力于京味艺术的收集、整理、发掘。他大量写生，勤奋创作，绘画题材由点到面，由浅入深，不间断地充实、发展、提高。作品涵盖老北京风情习俗之方方面面，笔精墨妙，引人入胜，风格独特，影响广泛。以没骨入画，适度勾线，在强调造型准确的基础上对人物做适度夸张，且设色巧拙明亮，不拘一格，在继承传统水墨的同时巧妙融入西画的一些技法、民俗的诸多元素，使之兼具观赏性与时代审美，形成独树一帜的绘画风格。

马海方《星期日的早晨》

　　身为“老北京”的马海方一直致力于京味艺术的收集、整理、发掘。他大量写生，勤奋创作，以没骨入画，适度勾线，在强调造型准确的基础上对人物作适度夸张，且设色巧拙明亮，不拘一格，在继承传统水墨的同时融入西画的一些技法、民俗的诸多成就，形成独树一帜的绘画风格，此次受邀参加“高峰之路——新时代语境下的中国画传承与创新”大型系列活动，接受《艺术市场》记者采访时表达出其独到见解。

　　传统笔墨功夫正在回归

　　《艺术市场》：中国画自东晋就形成了明确的评价体系，谢赫《画品》中提到的“六法”至今仍是衡量作品优劣、高低的重要标准，你如何看待中国传统绘画体系及其标准？

　　马海方：应该按照当时社会状况来评判其标准。当时，能够拿毛笔在纸绢上书写作画的均不是寻常人物，非帝王即文人，所以从这个时候有文人记录生活的痕迹，但是绘画以宫廷绘画为主，在人物造型和技法上均有严格的标准，这种标准使得传统绘画体系水平整体提升。唐以来尤其以白描表现生活的作品增多，这时期的作品是工笔画形成自己体系标志性的时代。宋代宫廷画院兴起，宫廷画师水平提高，一些文人到生活中写生，描绘江南水乡的润舍春雨，北方家园的干烈。转型期有不少文人画家逐步走向生活景色。至此，中国画逐步发展至高峰的时代到来。

　　人物画需要严格的造型，需要深入生活。而明以后，以文人画为主，文人画讲究诗书画印一体，以诗文入画是当时文人的时尚，这一时期的中国画，在创作上是为衰退期。根源是玩弄笔墨的多了，到生活中写生的少了。

马海方《磨剪子磨刀图》

　　《艺术市场》：在中国近现代的历史转折中，中国画受到西方文化艺术体系的冲击，中国传统绘画在某种程度上被动地面临改造或固守，如今在中西方文化交流日趋平凡的时代背景下，你如何看待20世纪以来中国传统艺术的调整、东西方艺术语言的融合？

　　马海方：明清时期，出现了利玛窦、郎世宁等一些传教士的油画作品，在观念上，这种中西结合的画法对传统中国人物画冲击很大，但只是一时的。

　　20世纪随着中国传统艺术的不断调整，东西方艺术在融合中脱变。徐悲鸿、刘海粟、常玉等一批留学生出国学习。其中，徐悲鸿以明确的理念改造中国画，具有开创性。包括后来的吴冠中等，是尝试用西画的理念改造中国画比较典型的人物。这批留学生回国后大多在艺术院校任教，将西方教学理念纳入教学。当时教学非常严谨，绘画基础是西方绘画体系，学生接触的东西也很多，但中国传统笔墨精神上有些薄弱。这个时期的调整虽然在某些程度上促进了中国人物画的发展，但也存在弊端，比如对中国传统的书法、国学等方面都不够重视。

　　近几年我发现有不少画家不在自己的作品上题字，有的仅盖上名章，或只落上自己后两个字的简称，怕字多了，画毁了。画家题字应题字如画，很多画画的练字该是常有的事，我们平时讲的书画家是指作品书和画不分家，过去古人不在画上落款而只盖印章的非常少见。画面有款应起到为画面增色、增加看点的效果。

　　现在绘画创作百花齐放，但对绘画有敬畏感的画家正在减少。近些年来，中国传统文化在世界文化中占有一席之地，笔墨纸砚、传统笔墨功夫正在回归、得到认同，这对于我们这些坚守传统的画家来说是一个认可。

马海方《老北京天桥旧景》

　　绘画语言体现“京味文化”

　　《艺术市场》：有哪些艺术大师对你的创作理念起到引导作用，你的人物画创作大致经历哪几个阶段？

　　马海方：对我影响较大的还是中央美术学院的老师们，如姚有多、贾又福、刘勃舒先生，尤其是卢沉、周思聪先生，我的画从写生到创作灵感直接来源于他们。在人物画方面对我影响最大的是国画系的卢沉先生，他提倡写生，创作生活中的形象，创作生活中你所见到、感受到的东西。

　　刘勃舒先生是当时国画系主任，他带我们去写生，写生完一定要完成一幅创作，用这种方式来督促大家。生活中的写生还要归纳成带有自己想象加工的作品，这些决定了你走出校门后的创作能力。

　　从美院毕业后接触工作，我未曾离开北京系列。过去在美院学习的时候，听贺友直先生讲他画连环画创作总结的“四小”，即小人物、小动作、小场景、小道具。通过近几年的人物画创作，我想，在画面上再加点“小情趣”，这样画面可能更有看头，或更耐人寻味。

　　此外，连环画对我的启发很大，其造型、构图、勾线、连续性，对人物画家来讲起着重要作用，我认为我们60岁以上的人物画家都直接受到了连环画的影响。这几年我也在调整，在造型方面、绘画语言上在借鉴其他画种，或者通过写生来丰富自己的绘画语言。

马海方《变戏法》

　　《艺术市场》：从作品创作中可以看出，你对于中国民俗借鉴很多，你是如何看待现当代艺术吸收民俗艺术语言的？随着时代的变迁及当代艺术的发展，当代艺术与民俗能融合吗？

　　马海方：这个关系是老北京的文化与绘画笔墨之间的关系。现在的北京，可能大家看到的是一个国际化大都市，但京味文化则要看这个城市现在的特点是什么，过去的特点是什么，其中过去很重要。我住在南城天桥边上，就是老北京文化尤其平民文化的集中地。

　　清代以后形成的民俗文化丰富多彩，除去琴棋书画，花鸟鱼虫被称为“北京四大玩儿”，哪一项北京人都玩到极致，玩出了北京人的心态、特色。再比如，“剃头挑子一头热”，这句话现在是形容对一种人在处理某事时的一种状态。以前剃头的在清朝需要掌握多种技能，如编辫子、刮脸、掏耳朵、清眼眉等。后来北京有了剃头棚，同时也有理发师手拿一种“唤头”，走几步用铁条拉打一下，发出两块铁片接处振动声，声音很特别，传得又远，20世纪60年代后期就不见这种“唤头”了。现在也常可以看见街边上或小区里的很多下岗人员，为路人理发剃头、刮脸，是一种临时职业，不过也是京城街头的一大特色景象。

　　这些也都是我绘画元素的来源。现在，他们使用的东西都成了博物馆的藏品。我收藏了很多老北京器物，这些物件是有实用性的，有些消失得很快，在绘画上体现出来，也可以让后人了解当时的状况。此外，如何将民俗雅化，是这些年来我一直思考的问题。我将一些题材以水墨形式表现，希望这样改变对“俗”的看法。

马海方《金秋十月乐子多》

　　似与不似之间把握好尺度

　　《艺术市场》：你的风俗画被称之为“京味”没骨，多年来，你所表达的“京味”有没有变化？这些变化体现在哪些方面？

　　马海方：这些变化都是细微的，尤其近30年来变化特别快，这与北京城的发展有直接关系，比如以前北京胡同能听到“磨剪子磨刀”的吆喝，现在很难看到他们的身影了。

　　京味文化原本是北京这个古都的一大特色，曾一度受到世界各地人们的喜爱。然而如今随着北京的建设发展，这些特色就像京城的胡同一样一条条逐渐消失。对于在北京的胡同里长大的我来说，不但对具有老北京的地方特色风情文化熟稔于心，而且是动之以情的。况且我又爱上了绘画这一行，理应把老北京的故事记录下来，所以，几年来我抓紧时间用画笔来挽留这些具有京味的民生题材，希望这一切仍能引起世界各国人们感官上的再次兴奋，对认识北京、认识中国文化增加一些素材。

马海方《捏面人儿图》

　　《艺术市场》：你作品中的人物形象鲜活，绝少复制、重复，你是如何实现绘画内容上的日趋丰富的呢？

　　马海方：我的很多速写是在车上画的，天天练写生，锻炼自己的能力。在美院学习的时候，我就养成了速写本不离手的习惯，当时卢沉老师提倡的一日一尺斗方（一平方尺），一天至少画出一张小的，这样计算下来一年300多天数量相当可观。画家，就是走到哪里画到哪里。这个习惯到现在我也一直在坚持，这是画人物画基本的要求。

　　大量的街头速写让我对人物形象的塑造有了一定的把握，艺术来源于生活，又要高于生活。人物画每个时代有每个时代的特征，衣着、神态、生活小景各不相同，作为一个写实的人物画画家，表达的是我所处时代的人物的特征，我需要如实地描绘他们的生活状态，但如果把现实中的人物分毫不差地搬到画面上来，却又失去了绘画的本来意义。这种写实的人物画，在似与不似之间把握好一个尺度，让画面更有生命力，更有生活情趣，确为不易之事。

马海方《聚棋图》